Арт-проект «Ассоциации»: восточный ветер в Петербурге

Индия, Египет, Китай и Сиам — страны, которые посетил цесаревич Николай Александрович, будущий царь Николай II, в 1890-1891 годах, стали источником вдохновения для авангардных коллекций, представленных в рамках ежегодного арт-проекта «Ассоциации» в Царском Cеле. Специально для DEL’ARTE Magazine Марина Скульская рассказывает о ключевых сюжетах шоу Стаса Лопаткина, Лилии Киселенко, Татьяны Парфёновой и Екатерины Матлиной.

В тринадцатый раз Петербургский музей-заповедник «Царское Село» объединяет модных творцов, предлагая им сыграть в ассоциации на заданную историческую тему. Впервые в арт-проекте наряду с именитыми дизайнерами принимает участие дебютантка — выпускница Университета промышленных технологий и дизайна Екатерина Матлина. Также впервые модельеры бросали жребий, чтобы определить, какая из восточных стран станет отправной точкой для создания их кутюрных коллекций. 

 выпала Индия: «Мне казалось, — признаётся дизайнер, — что это очень специфическая, этнографическая история, далёкая от современной моды, которой я занимаюсь, но я стал погружаться в культуру этой страны, многогранные традиции, искусство мастеров и влюбился!»

Индийская тема считывалась, прежде всего, в аксессуарах: тюрбанах и украшениях, отсылавших к роскошным облачениям махараджей. Серьги с третьим глазом и многоярусные ожерелья из жемчуга и золотых цепей оказались идеальным дополнением к свитшотам и худи. Крупные перламутровые шары заменили обычные зажимы для шнуров в кулисках капюшонов и спортивных брюк. Сказочного размера изумруды и рубины, украсившие жакеты, Лопаткин создал из денима, расшитого в технике тромплёй — обманки.

В сложной вышивке нарядов переплелись царскосельские пионы, вереск, мандала, восточный огурец — бута и менди — традиционная роспись по телу хной. Старинные орнаменты стали основой для декоративных решёток, расставленных в Собственном садике, где проходил показ, — напоминание о завесах, через которые обязаны были смотреть представления иностранцы и женщины в Индии.

Коллекция Stas Lopatkin называется «Саиб» — это уважительное обращение к европейцу в Индии. Но главный герой Лопаткина — его любимый кот Кекс, изображения которого, в том числе в виде многорукой богини Шивы, украшают целый ряд моделей. Слоган «Не кексовать!», вышитый на русском и нескольких индийских диалектах, призывает современную молодёжь вести себя достойно.

Лилия Киселенко, вытянувшая Египет, сделала акцент на самой теме экзотического путешествия: «Представьте, — обратилась дизайнер к представителям прессы, — что лестница Камероновой галереи, — это ступени пирамиды, уходящие высоко в небо». Петербургскую пирамиду украсили картонные саквояжи и сундуки, изображение гигантского крылатого скарабея, а также задорный фотограф, заставлявший героев действия принимать характерные египетские позы.

Золотой диск бога Ра также участвовал в драматическом представлении: его поднимал в небо и опускал на землю «египтянин» в традиционной джеллабе. Эти действия оказывали магический эффект: площадка то освещалась солнцем, то погружалась во мрак из-за сгущавшихся грозовых туч, а подчас орошалась дождём.

Красочную атмосферу в духе «Смерти на Ниле» Агаты Кристи создавали искусные танцовщицы в чёрных туниках, шароварах, кроссовках и массивных золотых украшениях — сокровищах гробницы Тутанхамона. Европейские веера с развивающимися шёлковыми вуалями в руках девушек казались амулетами, защищающими от зноя и злых сил.

Бывалые путешественники Киселенко были облачены в лёгкие, мягкие, белоснежные костюмы оверсайз — идеальный выбор для жаркого климата Египта. «Тройки» и «двойки» дизайнер составила из свободных брюк и футболок, жилетов, пиджаков и кардиганов с перфорацией в форме стилизованного лотоса. Блузы украшали гюйсы и аксельбанты. Звенья массивных ожерелий напоминали ракушки и шары скарабея. 

Коллекция Lilia Kisselenko мужская, но все модели Дома будут прекрасно смотреться на женщинах, и не только во время путешествий.

Татьяна Парфёнова представила Китай во Фрейлинском садике, где прогуливались аристократы и ухаживали за цветами садовники. «Эта коллекция создана по мотивам путешествия Татьяны Черниговской к Далай-ламе», — отметила дизайнер. Речь идёт о встрече Далай-ламы с ведущими российскими учёными в Дели в 2017 году, в числе которых была известный нейролингвист, профессор Санкт-Петербургского государственного университета Татьяна Черниговская.

Одиннадцать «работников» — по определению Парфёновой — были облачены в стилизованные одеяния буддистских монахов. Платья-туники не окутывали фигуру подобно традиционным драпировкам, напротив, минималистичный крой приближал эти модели к нарядам 1920-х.

Лаконичное сочетание оранжевого и бордового нарушали красочные круги мандалы, вышитые на юбках и шалях.

Для четырёх аристократов дизайнер создала костюмы в традиционном стиле ханьфу — с летящими шлейфами и широкими длинными рукавами. Изящная вышивка вызывает умиление у европейца, но для китайца наполнена определёнными смыслами. Ласточки сулят счастье в любви, окуни — богатство, ирисы олицетворяют красоту, грацию и нежность. Павлин подчёркивает высокое социальное положение человека, а в буддийской традиции символизирует милосердие и сострадание, приносит удачу, оберегает и помогает преодолеть трудности.

На спинах жакетов аристократов Tatyana Parfionova — огромные красные нашивки с портретом Мао Цзэдуна, революционера-коммуниста, основателя Китайской Народной Республики.

Дебютантка «Ассоциаций» Екатерина Матлина соединила в коллекции характерные атрибуты сиамской традиционной культуры и морскую символику имперского Петербурга.

Дизайнер расположила подиум — широкий помост с двумя лестничными пролётами — на Зеркальном пруду. Некоторые модели демонстрировали воздушные, полупрозрачные платья в пол на сапах, изящно управляясь с вёслами и маневрируя по водной глади. Из гигантских труб воображаемого крейсера «Память Азова», на котором путешествовал цесаревич Николай Александрович, время от времени валил настоящий дым.

В коллекции масса отсылок к униформе морского флота: сине-белая гамма, полоски, принт «мачты», стилизованные тельняшки, гюйсы, фуражки. Есть и роскошная офицерская двууголка времён Екатерины Великой из валяной шерсти с кокардой и страусиным пером. Многие жакеты напоминают мундиры.

«Несмотря на то, что августейшие особы в гостях короля Рамы V Чулалонгкорна были всего неделю, — рассказывает Екатерина, — их знакомство стало крайне продуктивным для содружества двух стран и имело неожиданное романтическое продолжение. Два сиамских принца приехали на учёбу и службу в рядах Российской императорской гвардии и вернулись на свою родину с русскими жёнами».

Брошь-лотос, золотистый шифон, мордочка сиамского кота на корсете — цитаты из традиционной культуры страны Белого слона. Священное животное дизайнер представила в виде объёмных серёжек и сумочки на золотой цепочке, которую модель носила как священную реликвию.

https://delartemagazine.com/style/art-proekt-associacii-vostochnyj-veter-v-peterburge.html

Арт-проект «Ассоциации»: восточный ветер в Петербурге

Индия, Египет, Китай и Сиам — страны, которые посетил цесаревич Николай Александрович, будущий царь Николай II, в 1890-1891 годах, стали источником вдохновения для авангардных коллекций, представленных в рамках ежегодного арт-проекта «Ассоциации» в Царском Cеле. Специально для DEL’ARTE Magazine Марина Скульская рассказывает о ключевых сюжетах шоу Стаса Лопаткина, Лилии Киселенко, Татьяны Парфёновой и Екатерины Матлиной.

В тринадцатый раз Петербургский музей-заповедник «Царское Село» объединяет модных творцов, предлагая им сыграть в ассоциации на заданную историческую тему. Впервые в арт-проекте наряду с именитыми дизайнерами принимает участие дебютантка — выпускница Университета промышленных технологий и дизайна Екатерина Матлина. Также впервые модельеры бросали жребий, чтобы определить, какая из восточных стран станет отправной точкой для создания их кутюрных коллекций. 

 выпала Индия: «Мне казалось, — признаётся дизайнер, — что это очень специфическая, этнографическая история, далёкая от современной моды, которой я занимаюсь, но я стал погружаться в культуру этой страны, многогранные традиции, искусство мастеров и влюбился!»

Индийская тема считывалась, прежде всего, в аксессуарах: тюрбанах и украшениях, отсылавших к роскошным облачениям махараджей. Серьги с третьим глазом и многоярусные ожерелья из жемчуга и золотых цепей оказались идеальным дополнением к свитшотам и худи. Крупные перламутровые шары заменили обычные зажимы для шнуров в кулисках капюшонов и спортивных брюк. Сказочного размера изумруды и рубины, украсившие жакеты, Лопаткин создал из денима, расшитого в технике тромплёй — обманки.

В сложной вышивке нарядов переплелись царскосельские пионы, вереск, мандала, восточный огурец — бута и менди — традиционная роспись по телу хной. Старинные орнаменты стали основой для декоративных решёток, расставленных в Собственном садике, где проходил показ, — напоминание о завесах, через которые обязаны были смотреть представления иностранцы и женщины в Индии.

Коллекция Stas Lopatkin называется «Саиб» — это уважительное обращение к европейцу в Индии. Но главный герой Лопаткина — его любимый кот Кекс, изображения которого, в том числе в виде многорукой богини Шивы, украшают целый ряд моделей. Слоган «Не кексовать!», вышитый на русском и нескольких индийских диалектах, призывает современную молодёжь вести себя достойно.

Лилия Киселенко, вытянувшая Египет, сделала акцент на самой теме экзотического путешествия: «Представьте, — обратилась дизайнер к представителям прессы, — что лестница Камероновой галереи, — это ступени пирамиды, уходящие высоко в небо». Петербургскую пирамиду украсили картонные саквояжи и сундуки, изображение гигантского крылатого скарабея, а также задорный фотограф, заставлявший героев действия принимать характерные египетские позы.

Золотой диск бога Ра также участвовал в драматическом представлении: его поднимал в небо и опускал на землю «египтянин» в традиционной джеллабе. Эти действия оказывали магический эффект: площадка то освещалась солнцем, то погружалась во мрак из-за сгущавшихся грозовых туч, а подчас орошалась дождём.

Красочную атмосферу в духе «Смерти на Ниле» Агаты Кристи создавали искусные танцовщицы в чёрных туниках, шароварах, кроссовках и массивных золотых украшениях — сокровищах гробницы Тутанхамона. Европейские веера с развивающимися шёлковыми вуалями в руках девушек казались амулетами, защищающими от зноя и злых сил.

Бывалые путешественники Киселенко были облачены в лёгкие, мягкие, белоснежные костюмы оверсайз — идеальный выбор для жаркого климата Египта. «Тройки» и «двойки» дизайнер составила из свободных брюк и футболок, жилетов, пиджаков и кардиганов с перфорацией в форме стилизованного лотоса. Блузы украшали гюйсы и аксельбанты. Звенья массивных ожерелий напоминали ракушки и шары скарабея. 

Коллекция Lilia Kisselenko мужская, но все модели Дома будут прекрасно смотреться на женщинах, и не только во время путешествий.

Татьяна Парфёнова представила Китай во Фрейлинском садике, где прогуливались аристократы и ухаживали за цветами садовники. «Эта коллекция создана по мотивам путешествия Татьяны Черниговской к Далай-ламе», — отметила дизайнер. Речь идёт о встрече Далай-ламы с ведущими российскими учёными в Дели в 2017 году, в числе которых была известный нейролингвист, профессор Санкт-Петербургского государственного университета Татьяна Черниговская.

Одиннадцать «работников» — по определению Парфёновой — были облачены в стилизованные одеяния буддистских монахов. Платья-туники не окутывали фигуру подобно традиционным драпировкам, напротив, минималистичный крой приближал эти модели к нарядам 1920-х.

Лаконичное сочетание оранжевого и бордового нарушали красочные круги мандалы, вышитые на юбках и шалях.

Для четырёх аристократов дизайнер создала костюмы в традиционном стиле ханьфу — с летящими шлейфами и широкими длинными рукавами. Изящная вышивка вызывает умиление у европейца, но для китайца наполнена определёнными смыслами. Ласточки сулят счастье в любви, окуни — богатство, ирисы олицетворяют красоту, грацию и нежность. Павлин подчёркивает высокое социальное положение человека, а в буддийской традиции символизирует милосердие и сострадание, приносит удачу, оберегает и помогает преодолеть трудности.

На спинах жакетов аристократов Tatyana Parfionova — огромные красные нашивки с портретом Мао Цзэдуна, революционера-коммуниста, основателя Китайской Народной Республики.

Дебютантка «Ассоциаций» Екатерина Матлина соединила в коллекции характерные атрибуты сиамской традиционной культуры и морскую символику имперского Петербурга.

Дизайнер расположила подиум — широкий помост с двумя лестничными пролётами — на Зеркальном пруду. Некоторые модели демонстрировали воздушные, полупрозрачные платья в пол на сапах, изящно управляясь с вёслами и маневрируя по водной глади. Из гигантских труб воображаемого крейсера «Память Азова», на котором путешествовал цесаревич Николай Александрович, время от времени валил настоящий дым.

В коллекции масса отсылок к униформе морского флота: сине-белая гамма, полоски, принт «мачты», стилизованные тельняшки, гюйсы, фуражки. Есть и роскошная офицерская двууголка времён Екатерины Великой из валяной шерсти с кокардой и страусиным пером. Многие жакеты напоминают мундиры.

«Несмотря на то, что августейшие особы в гостях короля Рамы V Чулалонгкорна были всего неделю, — рассказывает Екатерина, — их знакомство стало крайне продуктивным для содружества двух стран и имело неожиданное романтическое продолжение. Два сиамских принца приехали на учёбу и службу в рядах Российской императорской гвардии и вернулись на свою родину с русскими жёнами».

Брошь-лотос, золотистый шифон, мордочка сиамского кота на корсете — цитаты из традиционной культуры страны Белого слона. Священное животное дизайнер представила в виде объёмных серёжек и сумочки на золотой цепочке, которую модель носила как священную реликвию.

https://delartemagazine.com/style/art-proekt-associacii-vostochnyj-veter-v-peterburge.html

Первыми моделями Ива Сен-Лорана были вырезанные из маминых журналов мод фотографии красавиц — для них он создавал целые гардеробы, представляя себя главой Дома Haute Couture. Мечты семнадцатилетнего художника сбывались стремительно. В 1953 Ив участвует в конкурсе Международного секретариата шерсти в Париже, где его творение удостаивается третьего приза, а в следующем году из шести тысяч эскизов лучшим жюри единодушно признает черное коктейльное платье, которое для Сен-Лорана отшивает ателье Givenchy.

В 1955 Кристиан Диор, потрясенный талантом Ива, приглашает его на должность личного ассистента. Коллеги почти не разговаривают, только обмениваются эскизами. Одна из первых моделей Сен-Лорана появляется на знаменитой фотографии Ричарда Аведона «Довима со слонами»: строгое черное платье и бесконечный белоснежный шарф, обнимающий талию и спускающийся до самой земли. «Мой престиж не пострадает, — заявил Диор два года спустя, — если я скажу, что в последней коллекции 34 образа из 180 принадлежат Иву Сен-Лорану. Это очень молодой, но невероятно талантливый художник».

Диор назвал Сен-Лорана своим преемником. За две недели Ив создал более 600 эскизов для весенне-летней коллекции 1958 года, которая произвела настоящий фурор. За головокружительным успехом последовали тяжелые испытания: служба в армии, тяжелая депрессия, психиатрическая клиника, увольнение из Дома Dior, судебный процесс… Однако все злоключения привели Ива к открытию собственного модного Дома.

Первая коллекция Yves Saint Laurent 1962 года, которую открыла модель в объемном бушлате и белых брюках, была встречена весьма прохладно. Но Ив был убежден, что будущее моды связано со свободой, и оказался прав. В 1966 он представил женский смокинг, который не пришёлся по нраву клиенткам высокой моды, зато стал настоящим бестселлером среди поклонниц линии прет-а-порте. В следующем сезоне дизайнер предложил дамам брючный костюм-тройку в тонкую полоску — своеобразный омаж Хэмфри Богарту, и прозрачные блузы — авангардная версия строгих моделей 1940-х. К эпохе Второй Мировой дизайнер вернется в 1971 году в коллекции «Скандал», посвященной уникальному стилю Паломы Пикассо, любившей одеваться на барахолках.

Искусство и театр всегда были главными источниками вдохновения для Сен-Лорана. Блестящие примеры — коллекция «Мондриан» (1965), положившая начало плодотворному союзу живописи и моды, «Русская опера и балет» (1976), вдохновлённая Дягилевскими сезонами, и еще костюмы для фильма «Дневная красавица», которые и сегодня выглядят актуально: черный плащ из лакированной кожи, красная «двойка» в английском жокейском стиле, тренчкот и туфли с золотой квадратной пряжкой, которые так и называются с тех пор «дневная красавица».

Сен-Лоран посвящал свои творения и любимым поэтам — Аполлинеру, Кокто, Арагону. Его увлекал традиционный костюм и культура Испании, Китая, Африки. В 1975 он увидел в аэропорту Лилю Брик и влюбился в 84-летнюю диву. Брик ответила кутюрье взаимностью и с шиком носила фиолетовые бархатные брюки, синий с серебром казакин, блузы с рукавами-пуфами, высокие браслеты и пояса из перьев.

Ив Сен-Лоран ушел из моды в 2002 году, устроив грандиозный показ всех культовых образов Дома. «Я бы хотел изобрести джинсы. В них столько экспрессии, скромности, сексуальности, простоты: надеюсь, все это можно найти и в моих коллекциях»

Ирвин Пенн (1917-2009) родился в Плейнфилде, штат Нью-Джерси, в семье еврейских эмигрантов, покинувших Россию после Революции. Посещал Школу промышленного дизайна при Музее Филадельфии, учился в Лаборатории Дизайна Алексея Бродовича — кузнице модных кадров эпохи, а также работал ассистентом мастера в Harper's Bazaar. В 1941 Пенн отправился в Мехико, занимался живописью, разочаровался в себе как художнике, уничтожил все свои произведения и уже через год вернулся в Нью-Йорк.

Александр Либерман, арт-директор Vogue, нанял Пенна в качестве креативного помощника, ответственного за развороты и обложки журнала, и убедил его взяться за фотоаппарат, поскольку молодому творцу трудно было найти общий язык с другими фотографами в редакции.

Пенн любил использовать одни и те же приемы в фотосессиях, придуманные им самим и считавшиеся невероятно эксцентричными в 1950-е. Красавиц-моделей в роскошных нарядах он снимал на старом, грязном, купленном на блошином рынке смятом ковре, который брал с собой даже в самые дальние путешествия. Серый бумажный фон Пенн считал лучшим и, как правило, не скрывал его неровные края от зрителя.

Знаменитости от Луи Армстронга до Сальвадора Дали оказывались у него загнанными в угол — зажатыми между двумя декоративными стенами, выстроенными в студии.

Отправившись в Перу по заданию Vogue в 1949, чтобы снять одну из самых известных девушек с обложки Джин Петчетт в ярких экзотических декорациях, Пенн в течение недели никак не мог найти источник для вдохновения. В один из последних дней поездки Джин в изнеможении присела в кафе за столик к незнакомцу. Она вытянула ноги, сняла неудобные лодочки на высоком каблуке и стала пробовать на вкус свое жемчужное ожерелье. Ирвин пришел в неописуемый восторг! Как и многие другие его знаменитые работы, эта фотография до сих пор вдохновляет современных мастеров на всевозможные ремейки.

Ирвин Пенн отдал модной фотографии шестьдесят лет, но его наследие включает самые разные шедевры — от черно-белых портретов обычных смертных самых разных профессий до макросъемки авангардных приемов визажа и великолепных натюрмортов, которые могут соперничать с лучшими голландскими образцами жанра XVII столетия.

Филип Трейси: «Одежда и аксессуары — этот современные доспехи»

26 мая — день рождения дизайнера, который превращает в шляпы орхидеи (принт напечатан на шелке), раковины, дымовые трубы, велосипедные шлемы, гондолы, серп луны. Даже трехмерный мазок кисти Лихтенштейна может оказаться на чьей-нибудь счастливой голове.
Марина Скульская, куратор отделения «Мода. Дизайн костюма и фэшн-коммуникации», узнала у маэстро, о чем можно говорить с королевой Англии, как бороться с низкой самооценкой, и должен ли быть гениальный шляпник сумасшедшим.

Филип Трейси невероятно скромный, открытый, радушный человек. Несмотря на все свои регалии, мировую славу и приближенность к Британской короне. Трейси — Рыцарь ордена Британской империи, автор коллекций головных уборов для Chanel, Alexander McQueen, Armani, Ralph Lauren, Givenchy, Blumarine. Любимый мастер Сары Джессики-Паркер, Леди Гаги и Грейс Джонс. В 2000 Трейси стал первым за последние 70 лет дизайнером головных уборов, получившим приглашение участвовать в показах Haute Couture в Париже.

Одно из самых любимых творений дизайнера — шляпа «Корабль» из атласа и стержня пера. На паруса пошли перья райских птиц. Такими парусниками украшали объемные прически светские дамы середины XVIII века, отмечая победу французского флота над английским. Эксцентричное для ХХ века творение Трейси с удовольствием носила Изабелла Блоу. Муза, покровитель и главная модель мастера как-то призналась: «Все хотят заполучить шляпы, которые я ношу. Это так странно! За моей головой буквально охотятся. Я чувствую себя Марией Антуанеттой».

25 лет назад «Корабль» мечтал купить Майкл Джексон. Он предлагал за нее 25 000 долларов, но Трейси отказался и не жалеет об этом: «я мог бы продавать эту шляпу каждую неделю, но мне нравится, что она одна на всем свете. Для меня — это важный символ романтизма».

Куда можно пойти в такой шляпе за пределами Англии, где есть скачки, свадьбы и приемы при дворе? На этот вопрос Филип Трейси отвечает так: «Шляпы не обязательно носить. Ими достаточно любоваться».

— Вы любите приезжать в Петербург?

— Конечно! Знаете, я ведь родом из простой ирландской деревушки (Ахаскра, графство Голуэй — прим. автора), всего пятьсот жителей. До 17 лет я вообще не был в большом городе, так что для меня до сих пор каждый приезд в Петербург — это колоссальное событие. Здесь потрясающие люди! Все так трепетно относятся к моему творчеству — это так трогательно! Честно говоря, сперва я был поражен таким живым интересом к моим работам. Но после приезда в ваш город понял, что для
петербуржцев любовь к искусству совершенно естественна, она просто у вас в крови.

— Спасибо! Но к английскому искусству у нас особое отношение. Нам очень близки ваши эстетика, литература, меланхолия, чувство юмора…

— Да, теперь я это очень хорошо понимаю. Но когда я впервые привез выставку в «Эрарту» и поинтересовался месяц спустя, как все проходит, мне ответили довольно сдержанно: «все хорошо». Я решил, что это такой вежливый ответ, означающий, что люди в общем-то не в восторге. Потом оказалось, что публика выстраивались в длинные очереди, чтобы посмотреть на мои шляпы, — и я, конечно, был совершенно потрясён
этим фактом.

— Когда-то английское выражение «сумасшедший шляпник» было связано с ужасными условиями работы мастеров, вдыхавших ядовитые пары ртутных солей, что приводило к «шляпным» судорогам и галлюцинациям. Новые технологии и материалы сделали эту профессию относительно безопасной для здоровья, но шляпники по-прежнему ассоциируются с безумием.

— Я никогда не думал об этом. Вообще, саморефлексия мне не
свойственна. Вот мою подругу Изабеллу Блоу часто называли
«эксцентричной», но имелось в виду, что она не в своем уме. Люди такие разные, и это прекрасно! Меня привлекают яркие индивидуальности. С ними интересно общаться, для них интересно создавать что-то новое, экстраординарное. Что касается меня лично, думаю, я совершенно нормален, хотя мне много раз говорили, что это не так.

— Творчество ненормально по своей сути.

— Творчество — невероятно сложная штука. Совершенно непонятно, откуда берется вдохновение, мощная творческая энергия. Это просто вспышка какая-то, абсолютный момент счастья, прозрения, который невозможно воссоздать искусственным путем. С другой стороны, шляпка
кажется каким-то капризом, игрушкой, но ничего чудесного в работе над ней нет. Мастерство — это тяжелый ежедневный труд. И я, на самом деле, ремесленник, который годами добивается идеального результата. При этом мы живем в мире, где кропотливая ручная работа совершенно не ценится, в отличие от, скажем, нового смартфона, о котором мечтает
каждый.

— Вы по-прежнему создаете каждую шляпу вручную, без помощников?

— Для меня творчество — это всегда одиночество. Я не могу творить в толпе. Мне нужна тишина, свобода мысли, чувств. Я ищу, пока не нахожу именно то, что мне представляется потрясающим, ведь мои шляпы обязательно должны производить сильное впечатление, удивлять, приводить в восторг.

— С кем вам легче работать: с частными клиентами или с
профессиональными моделями?

— Я люблю работать с молодыми и взрослыми, со звёздами и самыми обычными людьми. Каждый случай особый и очень интересный. Конечно, модель — это дар Божий. Они так прекрасны! И когда ты украшаешь их изящной шляпкой, ты умножаешь красоту в несколько раз. Но клиенты, в свою очередь, доверяют мне свою голову! Им нужна шляпа для какого-то очень важного события в жизни — это колоссальная ответственность. Ничто так не вдохновляет, как восторг в глазах благодарного клиента, когда он светится от счастья… Тогда и я абсолютно счастлив.

— Шляпа меняет человека?

— Еще как! На самом деле, большинство людей, и звезды не исключение, — очень не уверены в себе. Особенно это касается ситуации жесткой конкуренции, скажем, на скачках в Аскоте. Здесь каждая женщина хочет выглядеть потрясающе, а не просто «прилично». Шляпа может придать вам уверенности, изменить осанку, походку, преобразить вас невероятно…Можно сказать, что одежда и аксессуары — это современные доспехи.

— С чего вы начинаете? Изучаете особенности лица, характера или отталкиваетесь от какой-то идеи?

— Важно абсолютно все. Сначала мы примеряем множество моделей. Я должен быть уверен, что шляпа действительно подходит клиенту. Льстить, обманывать ради того, чтобы продать, — этот принцип уже давно устарел, он мне претит. Дело не в деньгах, а в обмене исключительными эмоциями.

— Сложно ли работать с Елизаветой II?

— На самом деле я создаю головные уборы для всей королевской семьи, кроме Ее Величества. Я большой поклонник королевы. Она потрясающая.
Благодаря ей шляпы не теряют своей актуальности и привлекательности. Впервые я встретился с королевой лет 15 назад на приеме в честь дизайнеров. Елизавета II обращалась к каждому гостю с просьбой рассказать, чем именно он занимается. Когда дошла очередь до меня, я сказал, что создаю шляпы. Королева переспросила: «Вы создаёте ляпы?»
Знаете, королеве нельзя задавать вопросы. Но я не удержался и спросил: «Вам нравится носить шляпы?» Она в ужасе отпрянула, но затем самообладание к ней вернулось, и она произнесла с достоинством: «Шляпы — это часть униформы». Блестящий ответ!

— Вы создаёте шляпы для мужчин?

— Мне нравятся традиционные котелки, трилби, федоры, и у нас их заказывают поклонники по всему миру. Что касается креативных моделей, то я создаю их для таких звезд, как Бой Джордж, Мик Джаггер — то есть для тех, кто чувствует себя на сцене естественно.

— Что вас вдохновляет в данный момент?

— На этой неделе — Петербург, где, кажется, даже дома украшены экстравагантными «шляпами», где красота многолика, многослойна и бесконечна. Но больше всего я увлечен петербуржцами — невероятно открытыми, страстными людьми, которые окружены произведениями искусства, но не перестают удивляться новым творениям. Еще я надеюсь,

что на мои выставки взрослые будут приходить с детьми. Дети — мои лучшие поклонники: они никогда не спрашивают: «А куда можно пойти в такой шляпе?».

Первая публикация — журнал DEL’ARTE Magazine, 2020

Фото предоставлены пресс-службой музея современного искусства «Эрарта».

С Днём рождения, Дитер Рамс!

20 мая празднует свой 90 День Рождения легендарный Дитер Рамс, создатель дизайна «с минимальным дизайном».

Рамс сделал современный дизайн доступным для понимания и одновременно эстетичным. Именно Рамс придумал тот интуитивно понятный и простой дизайн бытовой электроники для бренда BRAUN и доказал, что бытовой прибор может быть красивым, элегантным, удобным. Калькуляторы, телевизоры, радиоприемники, электробритвы, часы, соковыжималки, видеокамеры, а также офисные стулья, полки и зубные щетки — число спроектированных им объектов исчисляется сотнями.
Концепция функциональной простоты Дитера Рамса оказала огромное влияние на современный промдизайн. Последователями Рамса считают себя Наото Фукосава, Джаспер Моррисон, Константин Грчич и дизайнер Apple Джонатан Айв.

Рамс разработал идею дизайна вне времени, дизайна, который морально не устаревает. Задав себе вопрос: насколько идеален мой дизайн? он сформулировал «10 принципов хорошего предметного дизайна», которые стали «таблицей умножения» для современных промышленных дизайнеров.

Итак, хороший дизайн должен быть:

• Инновационным
• Удобным
• Эстетичным
• Понятным
• Честным
• Ненавязчивым
• Долговечным
• Экологичным
• Последовательным
И, наконец,
• Хороший дизайн - это как можно меньше дизайна!

1. Дитер Рамс на кадре из фильма Гэри Хаствита RAMS, 2018 год
2. радиофонограф Braun SK4, 1956 год
3. система стеллажей 606 для Vitsoe, 1960 г.
4. Д.Рамс Т3 Pocket Radio 1958 и iPod компании Apple

Автор материала: Татьяна Петрова

20 апреля – день рождения Роя Холстона, автора знаменитой шляпки-таблетки Джекки Кеннеди, авангардных сценических костюмов постановок Марты Грэм, сногсшибательных нарядов Элизабет Тейлор, Лайзы Минелли и Бьянки Джаггер. Марина Скульская, куратор отделения «Мода. Дизайн костюма и fashion-коммуникации»,  рассказывает о вкладе Роя Холстона в мировую фэшн-индустрию и о подготовке Юэна Макрегора к роли иконы стиля в сериале «Холстон».

Пик славы Холстона пришелся на 1970-е, в 1984 он был уволен из компании, носящей его имя, и в 1990 в возрасте 57 лет умер от СПИДа. В это время в России только начали появляться первые фэшн-журналы, современные торговые центры и культовые бренды.

Мы все хорошо знакомы с лучшими работами Роя Холстона, просто можем не знать, что их автором является именно он. Образ Жаклин Кеннеди, к примеру, неотделим от шляпки-таблетки, в которой Первая леди появилась на инаугурации президента Джона Кеннеди 20 января 1961 года, и которая сразу же стала самым желанным аксессуаром женщин всего мира. Холстон вспоминал, что его творение было немного мало Джеки, она постоянно поддерживала шляпку, боясь коварного сильного ветра, и на тулье появились совершенно не предусмотренные строгим фасоном «ямки». Эти оригинальные помятости также вошли в моду — каждая покупательница создавала их своими руками и на свой вкус.

В 1968 Холстон открыл свой собственный модный Дом, в котором были представлены полноценные коллекции одежды. В эпоху пестрых этно-нарядов, агрессивно сексуальных мини-юбок, облегающих рубашек и сапог-чулок, он сделал ставку на минимализм. Юэн Макгрегор прошел спец.курс кройки и шитья, чтобы в кадре соответствовать своему персонажу: Холстон любил работать с рулоном ткани, драпируя кашемир, шелк и шифон прямо на модели или звездной клиентке. Он кроил авангардные наряды, следуя вдохновению, вживую, без наметок, лекал и рисунков. Готовые образы зарисовывал иллюстратор Джо Юла ( его играет Дэвид Питту). Макгрегор блестяще укрощает ткань, превращая ее в культовую модель платья, которое держится на скрещённых на груди и соединенных на шее бретелях.

Ультрасовременная версия образов золотого века Голливуда 1930-х годов: длина в пол, открытая спина, плавные линии и никакого нижнего белья. Свобода! Лайза Минелли в восторге. Во время съемок «Кабаре» (1972), где действие разворачивается накануне Второй Мировой в Германии, она заказывает Холстону наряды — других художников по костюмам и кутюрье она больше не признает. Черная двойка — жилет на голое тело с микро-шортами и лиловое платье с гирляндой из бус, соединявшей топ и юбку, стали знаковыми для десятилетия.

В Hаlston одевались все звезды культового клуба Studio 54, открывшегося в 1977: Элизабет Тейлор, Дайана Росс, Мариса Беренсон, Бьянка Джаггер, в честь дня рождения которой Холстон придумал и поставил эффектное появление на танцполе — верхом на белой лошади. Еще в 1968 Холстон представил оригинальное платье без рукавов, сшитое из одного большого куска ткани, сложенного

 вдвое. Процесс его создания отражен в мини-сериале. Десять лет спустя этот фасон воссоздаст Вячеслав Зайцев для Аллы Пугачевой в роли знаменитой певицы в фильме «Женщина, которая поет». «Балахон» на долгие годы станет любимым и самым узнаваемым нарядом поп-дивы. Еще один пример — платье-рубашка из искусственной замши — один из бестселлеров Холстона, можно увидеть на Вере Алентовой в киноленте «Москва слезам не верит» (1979).

«Холстон» снят по книге Дэвида Гейнса «Просто Холстон», вышедшей в 1991. Этот факт сам по себе уже является гарантом качественного сценария. Важно отметить, что конфликт художника и бездушной бизнес-машины, вокруг которого строится сюжет, до сих пор актуален. На карте мира не так уж много люксовых независимых брендов: можно назвать Giorgio Armani, Prada, Vivienne Westwood. Большинство знаменитых марок принадлежат двум холдингам — LVMH и Kering. Подписание контракта с процветающей корпорацией открывает перед дизайнером невероятные возможности, но может обернуться и полным крахом — потерей собственного имени. Такова печальная участь Джона Гальяно, Джил Сандер, Тьери Мюглера, Мартина Маржелы.

И все же, главное, что привлекает в мини-сериале — магия творчества. Как возникают новаторские идеи? Как самые обычные вещи становятся желанными? Как рождается мода? Поиск ответов на эти вопросы увлекателен сам по себе. Но если вы ищете историческую правду и сочувствуете племяннице Роя, Лесли Фровик, заявившей, что события в релизе Netflix «некорректны» и «вымышлены», советуем посмотреть до или после «Холстона» блестящий одноименный документальный фильм о дизайнере, снятый Фредериком Ченом и вышедший в 2019 году.

В 1982 Halston, принадлежавший тогда Esmark, подписал миллиардный контракт с сетью демократичных универмагов JCPenney. Звездный дизайнер, создающий коллекции для масс-маркета, — в то время эта идея была еще слишком новаторской и дерзкой. Пресса не поддержала кутюрье. Фешенебельные универмаги перестали заказывать коллекции Hаlston. Новые владельцы бренда решили, что дизайнер, привыкший тратить десятки тысяч долларов в месяц на свежие орхидеи для украшения офиса, обходится им слишком дорого.

Автор статьи - Марина Скульская, куратор отделения «Мода. Дизайн костюма и fashion-коммуникации», историк моды, автор книг и курсов о моде. Статья была подготовлена для журнала www.delartemagazine.com 

8 апреля — день рождения Вивьен Вествуд. Марина Скульская,
куратор курса «Мода. Дизайн костюма и fashion-коммуникации»,
рассказывает о дизайнере, превратившем панк в одно из самых
стильных и успешных модных течений
Карьера Вивьен Вествуд, подруги основателя Sex Pistols Малкольма
Макларена, началась с создания костюмов группы. В 1971 дизайнер-
самоучка открыла первый магазин Let it Rock. Уже через год
аккуратные костюмчики-тройки в популярном тогда ретро-стиле
«Тедди-бой» сменили панковские (от англ. punk — хулиган) рваные
джинсы, испачканные краской дырявые майки, кожаные куртки на
молниях и ожерелья-цепи. Поиски новых фэшн-ориентиров
отражались на новых вывесках бутика: «Too Fast to Live, Too Young to
Die», SEX, Seditionaires… В 1980 Вествуд остановилась на Worlds End
— «Конце света» и создала первую коллекцию для подиума —
«Пираты», осень-зима 1981/82.
К выходу альбома God Save the Queen (1977) Вествуд придумала
футболку по мотивам обложки с портретом королевы
Великобритании и добавила к ее изображению английскую булавку.
Это украшение стало одним из главных символов панка, а лонгслив,
на котором Елизавета II красуется с пирсингом на губах, вошел в
постоянную коллекцию музея Виктории и Альберта в Лондоне.

Вествуд превратила панк в целую вселенную. Если Шанель позволила
женщинам быть по-мужски свободными, то Вествуд дала
возможность женщинам по-новому подчеркнуть свою чувственность.
В 1980-х, когда деловые костюмы и широкие плечи были в зените
славы, дизайнер пропагандировала мини-кринолины и облегающие
блузы с шокирующим декольте. Мрачной эстетике 1990-х она
противопоставила веселое сумасшествие красок и принтов. Заявив,
что любит ставить женщину на пьедестал, придумала туфли на 25-
сантиметровой платформе, и выпускает их в различных вариациях до
сих пор.

В 1982-м Вествуд предложила дамам носить бюстгальтеры поверх по-

трепанных, сшитых швами наружу платьев, открыв целое
направление в моде, а в 2003-м выпустила на подиум мужчин в
лифчиках «пуш-ап» под свитерами. Вествуд решительно выступает
против любой дискриминации.

Королева панков разменяла восьмой десяток, и по-прежнему
вдохновляет молодых авангардистов: открывает мастерские в Кении,
участвует в кампаниях, призывающих спасти планету от
экологической катастрофы, выпускает несколько умопомрачительных
коллекций в сезон и носит футболку с надписью «Покупайте
меньше!».

Яркий и насыщенный день открытых дверей в «Новой Школе Дизайна и Искусства» вчера собрал тех, кто планирует обучение и новый профессиональный путь в области дизайна. 

В течение дня выступали эксперты - кураторы отделений Школы, которые подробно представили гостям летние экспресс-курсы и программы дополнительного профессионального образования. 

На встрече с профессиональным спикером, журналистом и бизнес-консультантом Шекией Абдуллаевой слушатели узнали об актуальных тенденциях в мире коммуникации, о том как сделать клиента своим другом, как правильно говорить и доносить свои знания в профессиональном сообществе.

Куратор отделения «Дизайн интерьера», архитектор и дизайнер Виктория Фролова рассказала о полном составе проекта дизайна интерьера и как его подготовить в стенах Школы на летнем экспресс-курсе.

Куратор отделения «Современное искусство и бизнес-коммуникации», искусствовед и методист l категории Эрмитажа - Марина Чекмарева -  рассказала гостям о том, что такое дизайн впечатление на Арт-выставке и как оно формируется. Что студенты курса изучают на годовом курсе, который стартует уже в сентябре. 
 
Куратор летней программы для подростков «Многоликий дизайн», искусствовед и преподаватель Татьяна Петрова представила наполненный и яркий курс для ребят, которые хотят разобраться в новой и актуальной профессии, получить первоначальные практические навыки в области дизайна. 

Завершением дня открытых дверей стало выступление и лекция куратора отделения «Мода. Дизайн костюма и фэшн-коммуникации», писателя, фэшн-эксперта, историка моды Марины Скульской о тенденциях нового модного сезона и , конечно, том, что ждёт студентов этого факультета на летнем курсе и годовых программах. 

Не смотря на снег в апрельский весенний день, в Школе было тепло от встреч, огня знаний, экспертизы кураторов и доброжелательной атмосферы. 

Хотите стать частью нашего образовательного процесса, познакомиться с гениями современности и даже получить дополнительное профессиональное образование в новой для себя сфере? Записывайтесь на летние и сентябрьские программы обучения, мы готовим много нового. Подробности о программах, кураторах, новых запусков обучения на сайте newdesignschool.ru, в наших социальных сетях и по телефону: +7(921)420-43-32

5 апреля родился Герберт Байер, создатель Универсального шрифта.

Байер был одним из первых студентов школы Bauhaus, учеником Иттена и Кандинского. Полностью поддерживая и разделяя все новаторские теории школы, после ее окончания он продолжает сотрудничество с Вальтером Гропиусом в мастерской печати и рекламы.

В 20-х годах Байер увлеченно работает над тем, что впоследствии назовут «фирменным стилем»: создает каталог изделий Bauhaus, перерабатывает форму деловых документов и придумывает шрифт, ставший символом бренда Bauhaus.

Байер задумывал свой шрифт как универсальную систему. По замыслу Байера, его с одинаковым успехом можно было использовать и для типографической печати, и для печатных машинок, и как рукописный. В универсальном алфавите все элементы были сокращены до минимума – Байер предложил даже упразднить заглавные буквы, как нефункциональные (и это при том, что в немецком языке все существительные пишутся с большой буквы!).

Шрифт Байера был использован в новом здании школы, построенном в 1925 в Дессау по проекту Вальтера Гропиуса. Простые геометричные буквы, четко выделяющиеся на аскетичной поверхности стены, стали таким же «брендовым» знаком, как и сам стеклянный фасад символа функционализма. 

Когда, с приходом к власти национал-социалистов, на школу Bauhaus и ее верных последователей начинаются гонения, Байер покидает Германию. В 1938 году директор-основатель MoMA New York Альфред Х Барр-младший пригласил его на разработку выставки «Bauhaus 1919–28», и это стало началом успешной карьеры Байера в Соединенных Штатах.

Байер занимался разработкой рекламы для корпорации Paepcke, был консультантом по дизайну в культурном центре Аспена, стал автором нескольких архитектурных проектов. Но для всего мира он остался одним из самых важных представителей Bauhaus, одним из тех, кто стоял у истоков Дизайна. Как он сам сказал о своем творчестве: «Моя работа - это заявление об интеграции современного художника в индустриальное общество».

30 марта родился Винсент Ван Гог. О Ван Гоге, его трагической судьбе и отрезанном ухе знают все. Нищенствующий непризнанный гений при жизни и первый из художников-модернистов, чьи картины были проданы за десяткимиллионов. Сумасшедший гений-одиночка, за десять лет превратившийся из самоучки в мастера, изменившего представление об искусстве.

Однако многие факты его биографии были выдуманы или приукрашены настолько, что полностью затмили его реальную жизнь.

Ван Гог был одним из самых образованных художников своего времени. Окончил престижную гимназию, свободно говорил и писал на трех языках. Его дед был известнейшим переплетчиком старинных манускриптов, работавшим для нескольких европейских дворов, трое из его дядей успешно торговали искусством, а один был адмиралом и начальником порта в Антверпене. 

Сам Ван Гог являлся профессиональным торговцем искусством — арт-дилером в крупнейшей фирме «Гупиль», совладельцем которой был его дядя Винсент. За 7 лет Ван Гог сделал неплохую карьеру: из амстердамского филиала он перебрался сначала в Гаагу, потом в Лондон и, наконец, в штаб-квартиру фирмы в Париже. За годы нахождения в окружении картин он стал настоящим экспертом в живописи.

В двадцать семь лет Ван Гог приступил к изучению ремесла живописца. Сначала рисовал по новейшим специальным учебникам, занимался у родственника, художника из Гааги, Антона Мауве, затем год учился в Королевской Академии изящных искусств в Брюсселе.
Отправился в Париж, где уже неплохо устроился его брат. Тео Ван Гог проводил персональные выставки Камиля Писсарро, Клода Моне и других импрессионистов в той же фирме «Гупиль», а в собственной квартире устраивал вернисажи молодых художников, среди которых был и Винсент.

В 1884 году братья Ван Гоги заключили между собой соглашение: Тео в обмен на картины Винсента обеспечивал его кистями, холстами и красками лучшего качества и выплачивал ему 220 франков в месяц, так что «нищий» художник не только мог спокойно заниматься творчеством, но и собирать коллекцию японских гравюр. А существование многочисленных портретов голландца, сделанных Тулузом-Лотреком, Люсьеном Писарро, Эмилем Бернаром и другими, развенчивает
миф о «нелюдимом отшельнике».

История с отрезанным ухом – тоже преувеличение. При полностью отрезанном ухе любой человек истек бы кровью за те 10 часов, пока ожидалась помощь. Поэтому Ван Гог отсек себе лишь мочку, о чем сказано во врачебном заключении.

Но легенда о страдающем, непонятом современниками, гении оказалась очень живуча. Именно на ее основе американский писатель Ирвинг Стоун в 1934 году написал свой бестселлер «Жажда жизни», а голливудский режиссер Винсенте Миннелли в 1956 году поставил оскароносный фильм, где роль художника сыграл Кёрк Дуглас. Фильм окончательно утвердил в головах миллионов людей образ полубезумного гения, думающего только о великом искусстве.

Огромную популярность Ван Гог приобрел в Японии. Благодаря легенде, великого голландцастали считать чем-то средним между буддийским монахом и совершившим харакири самураем. В1987 году компания «Ясуда» купила на аукционе в Лондоне «Подсолнухи» Ван Гога за 40миллионов долларов, а три года спустя эксцентричный миллиардер Риото Сайто заплатил нааукционе в Нью-Йорке 82 миллиона долларов за «Портрет доктора Гаше».

Но каковы бы ни были факты жизни Ван Гога, он – один из величайших художников. Пронзительный цвет его картин, экспрессия мазка, потрясающее умение видеть чудо мира в самых обыденных вещах не перестает восхищать нас, сегодняшних.

Журнал "Современный Дом" (Москва) в № 9 - 10 (зима 2021-2022) опубликовал новость об открытии нашей Школы.

Salone del Mobile – важнейшее событие в мировом дизайне. Когда в 2020 году по причине пандемии он был отменен, страдали все: и производители, без возможности представить публике новые коллекции, и дизайнеры, лишившиеся «места силы». Через полтора года Салон все же состоялся. Правда, мир за это время изменился серьезно: новые санитарные требования, новые сценарии жизни, новое отношение к дизайну. Поэтому итальянцы, всегда презентующие Миланский Салон как главную витрину дизайна, обязаны были выступить сильно и оригинально.

Новым президентом Салона стала Мария Порро, представитель знаменитой компании - флагмана итальянского дизайна. Мария - первый столь молодой руководитель столь значимого мероприятия и первое женское имя президента за всю историю Салона (что актуально в русле последних тенденций). Куратором был назначен  Стефано Боэри, представитель «зеленой архитектуры», который привел команду дизайнеров-новаторов. Предложенный ими новый формат полностью изменил лицо Салона, превратив его из современной мебельной ярмарки  в «экологичное, гибкое и гибридное пространство инновационного дизайна». Салон 2021 гордо нарекли Supersalone и распахнули двери с 05 по 10 сентября всем, кто смог добраться до Милана. Что из этого вышло, давайте посмотрим.

Supersalone 2021 получился очень компактным - все экспоненты разместились в первых четырех из 24 павильонов Fiera Milano, что очень скромно по сравнению с мегагигантским размахом доковидной выставки. Поэтому Салон 2021 у многих вызвал ностальгические воспоминания о выставке двадцатилетней давности и получил прозвище «babysalonе». Вторым кардинальным отличием стало то, что вместо путешествия по уникальным мирам-стендам участников посетителей приглашали прогуляться по унифицированному городу, где на вертикальных стенах, спроектрованных Андреа Капуто, размещались предметы мебели, снабженные QR-кодами с полной информацией. 

Параллельно веб-сайт Salone del Mobile предлагал презентации продуктов и брендов, интервью и подкасты. Подчеркивалось, что все конструкции будут подвержены вторичной переработке, а зеленые насаждения, используемые для оформления, займут свое место на улицах Милана. Тенденцию к устойчивому развитию дизайнерское сообщество, несомненно, поддержало, но отметило, что очень уж это все похоже на выставки  скандинавов или биеннале дизайна. 

Большое внимание уделялось экспериментам с материалами, опять же, с акцентом на экологичность: замене пластиковых волокон джутом, льном и коноплей местного производства, различные варианты ресайклинговых и рекуперационных матералов. Много внимания было направлено на развитие технологий, таких, как 3D-печать.

Помимо экологичности и устойчивости заметным трендом на выставке стала тенденция к мягким и округлым формам, вполне понятная на фоне постоянной тревожности пандемии. Скругленные углы стульев и предметов корпусной мебели, похожие на тотемы овальные столы, обволакивающие диваны-подушки были продемонстрированы практически во всех новых коллекциях. Ответом на изменившиеся потребности сидящего дома человека были всевозможные предложения предметов-трансформеров, способных создавать дополнительные рабочие места или зонировать пространство. Еще одной заметной тенденцией стало создание всевозможных «мебельных ландшафтов»: модульных элементов, позволяющих создавать мягкую мебель протяженных форм и неограниченных размеров.

Поиск комфорта и чувство защищенности был прекрасно проиллюстрирован в представленной текстильной продукции. Фаворитами стали ткани и ковры с повышенной тактильностью и заметной крафтовой составляющей. Кстати, отмечается тенденция к возрождению настенного ковра как арт-объекта или цветной картины.

Ну и если говорить о тенденциях в цветах, то здесь Миланский Салон порадовал сочетаниями контрастных цветов природных оттенков. Хотя нейтральные по-прежнему в моде, но желание добавить интерьеру позитивных эмоций вполне понятно и предсказуемо.

Так как же оценить прошедший Salone del Mobile 2021? Вероятно, как экспериментальный формат для апробирования свежих идей, с новым пониманием  роли ремесел и природных ресурсов в мировом дизайне. Что из этого останется в концепции обновленного Salone del Mobile, станет известно весной следующего года. Нам всем есть над чем подумать.

Напоследок хотелось бы отметить, что Новая Школа Дизайна и Искусства планирует проводить для своих студентов выездные стажировки на международные выставки в сопровождении экспертов дизайна и архитектуры. И Миланский мебельный салон непременно войдёт в их число!

Татьяна Петрова, тренд-аналитик, автор курсов по истории дизайна и стилей, преподаватель Новой Школы Дизайна и Искусства.

Фото: https://www.salonemilano.it/

28 октября преподаватель Университета Глостершира (Великобритания) и наш партнёр Джон Ингледью в рамках марафона бесплатных вебинаров и мастер-классов в честь открытия Новой Школы Дизайна и Искусства провёл бесплатный мастер-класс в формате онлайн «Креативное мышление». Его участники учились смотреть на старые вещи под новым углом зрения и находить новое применение привычным для них бытовым вещам и предметам.

Самым интересным, по всеобщему мнению, стали интерактивы, во время которых можно было создать какую-то вещь, используя различные подручные предметы и превращая их во что-то совершенно новое при помощи фантазии. За считанные секунды из зарядки для телефона рождался богомол, а из телефона – поезд. Изобретая предметы и меняя масштабы, мы учились  создавать новый дизайн вещей.

Во время мастер-класса Джон проиллюстрировал простую и гениальную идею о том, что творчество и игра очень близки. Между ними, по мнению Джона, можно смело поставить знак равенства:

                                                        ТВОРЧЕСТВО=ИГРА

Многие блестящие идеи остаются невысказанными из-за страха перед начальством, коллегами, сокурсниками, преподавателем. Мы боимся того, что нас могут высмеять и что мы будем выглядеть глупо. А ведь именно эти наши идеи могут по-настоящему талантливыми! Поэтому не бойтесь осуждения и даже наоборот - пробуйте вести себя так, чтобы над вами смеялись, пробуйте выглядеть глупыми. Если это глупо и смешно, это может быть гениально! Отбросьте важность, начните играть!

Посмотрите на привычные вещи по-новому, с разных ракурсов. Нарисуйте дизайн очков, которые будут крепиться не за ушами, а, к примеру, к вашей модной шапке. Поиграйте с масштабом: пусть фломастер на вашем панно станет рукой человека, а телефон – вагоном поезда. Поиграйте с привычным, и новые идеи сами проявят себя. Это и есть первые шаги в креативном мышлении.

И помните: по-настоящему классные идею вызывают очень сильную реакцию. Это может быть смех, шок, слёзы, а может быть покупка.

Вот ещё несколько советов Джона Ингледью о том, как можно развить творчество и креативное мышление:

Поиграйте с материалами

Поиграйте со словами и языком

Идеи могут быть мимолетными - быстро записывайте их

Визуализируйте свои идеи, записывайте размашисто, зарисовывайте их, чтобы поделиться с другими

Рисуйте и перерисовывайте ваши визуализации, чтобы ваша идея коммуницировалась очень ясно и просто

Просто начните

Начните и надстраивайте одну идею на другой

Разомнитесь для творчества

Никогда не беспокойтесь о том, что для вашей идеи пока не существует технологий. Если ваша идея достаточно хороша, технологии быстро появятся, и идея будет реализована

Работайте с людьми, которым вы доверяете

Проверяйте свои идеи на других людя

Улучшайте и развивайте идеи других людей в вашей группе

Как мы видим, создавать новые вещи, новый дизайн, рождать креативные идеи не так уж трудно. Главное – начать. Удачи вам в этом увлекательном деле!

А мы напоминаем, что В рамках основных курсов «Дизайн интерьерной среды», «Медиадизайн» и «Современное искусство и бизнес-коммуникации», которые стартуют в Новой Школе Дизайна и Искусства 15 декабря, Джон Ингледью проведёт свою полную авторскую программу по креативному мышлению. Присоединяйтесь!